En el Metropolitan Opera de Nueva York sólo caben 3800 almas, pero el pasado 15 de diciembre un milagro tecnológico multiplicó los panes y los peces: 97000 personas asistieron en directo a la representación de Romeo y Julieta, de Gounod, con Anna Netrebko y Roberto Alagna como primeras espadas, afiladas por la batuta de nuestro incombustible, a Dios gracias, Plácido Domingo. El milagro responde al nombre de HD via satélite, y ha permitido que "operamaníacos" de Estados Unidos, Canadá, Austria, Bélgica, Alemania, Japón, Dinamarca, Suecia, Puerto Rico, Holanda y Reino Unido satisfagan al mismo tiempo su afición en los cines más próximos de su ciudad.
Ahora sólo falta saber qué exhibidora española soltará primero la liebre sumándose a la ópera global del Metropolitan, "Met" para los amigos, una oportunidad única para diversificar la oferta en estos tiempos de brusco descenso en la recaudación de las salas de cine. Incluso me intranquiliza que ninguna haya dado aún el “do de pecho” en este sentido. ¿Acaso en Bélgica hay mayor tradición operística que aquí? Por cierto, en los cines todas las butacas son de platea y con visibilidad.
Quiero creer que más tarde o temprano el éxito de la iniciativa animará a otras excelsas entidades artísticas a obrar más milagros HD via satélite, la Filarmónica de Berlín o la Filarmónica de Nueva York, pongo por casos. ¿Competencia desleal para las orquestas y teatros de ópera locales? A mi entender todo lo contrario: acontecimientos de este calado contribuirán a crear más aficionados a la música y, sobre todo, a educarles en la excelencia artística.(ME T)emo que soy optimista.
La prensa catalana todavía no ha difundido la buena nueva. Tiene todo el derecho a decidir no hacerlo. El caso es que el músico catalán Joan Albert Amargós (Barcelona, 1950) ha sido nominado a los prestigiosos Premios Grammy 2008, los Óscars de la música, en la categoría de Mejor Composición de Música Clásica Contemporánea por su “Northern Concierto” una impresionante obra para flauta de pico y orquesta, encargada e interpretada por la virtuosa Michala Petri, acompañada de la Orquesta Nacional Danesa dirigida por Lan Shui. La creación de Amargós deberá competir por el premio con, entre otras obras, las “Neruda Songs”, la excelente partitura de Peter Lieberson basada en poemas del poeta chileno, y recientemente galardonada con el Premio Grawemeyer, y “Made in America”, ideada por Joan Tower, una de las compositoras de más renombre en los Estados Unidos.
En este enlace podréis escuchar unos extractos del ”Northern Concerto”. Y también comprarlo, acción que recomiendo os decidáis a efectuar enseguida, porque se da la paradoja que esta obra de un compositor catalán no la hallaréis a la venta en ningún comercio de Cataluña
Otro detalle muy revelador sobre la calidad del relleno que esconden las grandes reclamaciones patrias por estos lares: fijaos en la nacionalidad de las orquestas que han grabado las dos obras de los compositores americanos, -grabaciones que puedes adquirir sin problemas en Estados Unidos- y comparadla con la de quienes recrean la partitura de Amargós. Y eso que, en materia de cultura, hace ya muchos años que los catalanes tenemos reconocido por ley el derecho a decidir. País.
• Amargós: Northern Concerto Joan Albert Amargós (Lan Shui, conductor; Danish National Symphony Orchestra/DR)
• Lorraine Hunt Lieberson Sings Peter Lieberson: Neruda Songs Peter Lieberson (James Levine, conductor; Boston Symphony Orchestra)
• Made In America Joan Tower (Leonard Slatkin, conductor; Nashville Symphony Orchestra) Track from: Tower: Made In America
Hay violinistas que tocan como robots, pero a Toyota se le ha antojado invertir los términos de la ecuación para obtener robots que tocan como violinistas. En cualquier caso, y a tenor de lo oído, de mucha pompa y poca circunstancia, no hay motivo para alarmarse porque los robots pueden tocar una partitura, sí, pero los humanos la interpretamos. Epílogo: un ser inanimado nunca podrá darle una "ánima" a la música.
Hay gente que confiesa no entender las películas de Pere Portabella, pero en realidad lo que les resulta un enigma es la persona. Y es que no les casa su condición de hombre adinerado, -su familia fue la propietaria de la firma Danone y él preside actualmente una sociedad de inversiones- con su ideología de izquierdas y sus múltiples inquietudes culturales. El dinero, en fin, como un estigma, o si deseas contemplarlo desde otra perspectiva más dañina, una cuenta corriente en números rojos como requisito indispensable para una expresión artística inspirada.
Por otra parte, me gustaría saber desde cuando hay que entender algo o a alguien para que tu cuerpo se inunde de emociones. En lo que a mí respecta, me declaro seguidor de la teoría opuesta, la que sostiene que los seres o enseres pierden su atractivo cuando descubres el secreto de su misterio.
Esta retórica viene al caso porque Portabella, director de ocho largometrajes, entre otros logros, que han merecido un homenaje del Centro Georges Pompidou de París y una reciente retrospectiva en el MOMA de Nueva York, estrena el próximo día 21 su último film Die Stille Vor Bach (El silencio antes de Bach). Adjunto dos extractos, el de la sinopsis:
Una mirada sobre las profundas relaciones dramatúrgicas que existen entre imagen y música, de manera que no se concibe esta última como un mero subrayado subsidiario de la imagen, sino como sujeto paritario del relato.
Y el de la película:
Ambos despiertan la esperanza que su consumo nos enriquezca con todos esos invisibles visibles que jamás podremos comprar con dinero. Portabella, tampoco.
Las imágenes ilustran el primer encuentro la semana pasada de Gustavo Dudamel, la perla de “El Sistema” de enseñanza musical en Venezuela, con la Filarmónica de Nueva York. Su talento y frescura le han convertido en un referente sobre el que construir el futuro del panorama sinfónico. Quizá fuera al descubrir con que prodigioso descaro traducía el Mambo de Leonard Bernstein, el director titular más celebrado de la formación estadounidense, cuando los neoyorkinos decidieron coser a la mano de este joven de 26 años la batuta del padre musical de West Side Story, con la esperanza de hallar en Dudamel la reencarnación de su Dalai Lama. Un periodista espontáneo inmortalizó con su videocámara unos instantes de la ceremonia, iniciada con la "Sinfonía India" de Carlos Chávez:
Aunque este hijo de un salsero y de una profesora de música fuera la resurrección de Bernstein, a la Filarmónica de Nueva York ya se le ha pasado el arroz: Dudamel tiene comprometidas las próximas temporadas con la Filarmónica de Los Ángeles, una orquesta cuyo objetivo es acompasar su contenido al compromiso con la modernidad de su continente, el imponente auditorio Walt Disney Concert Hall ideado por Frank Gehry.
Walt Disney Concert Hall
Tras el concierto, celebrado con cinco minutos de ovaciones por parte de un público puesto en pie, la batuta de Bernstein regresó al Museo. Los neoyorkinos ahora ya saben que Dudamel no es su Dalai Lama, sino un agente activo del cambio climático que con soles mayores está sembrando primaveras en los permanentes inviernos de las orquestas sinfónicas actuales. Para los alérgicos a esta retórica de novela rosa pongamos que el otro día, en Nueva York, al fin amaneció.
Curiosa paradoja la del músico que habla del silencio en un suplemento cultural cuyo nombre evoca un caos sonoro: Babelia. El pianista polaco Piotr Anderszewski es un cazador de silencios, que nadie se extrañe pues que le hayan especializado en el sordo más estruendoso de la historia de la música, Beethoven: El silencio es muy importante para un músico y como mi profesión me obliga a viajar continuamente, además de explorar las calles, los bares y los museos de los lugares que visito, me fijo especialmente en la calidad del silencio que tiene cada ciudad. No hay dos iguales. Por eso adoro Lisboa, su calidad de silencio no tiene parangón.
No tener parangón debe ser estupendo. No lo sé, como también desconozco si la adoración por las grabaciones que el pianista confiesa en la entrevista se extiende a los silencios. Este sería mi relato imaginado con un parangón en Paul Auster: un pianista de gira por el mundo con los silencios de las urbes registrados por orden alfabético en su ipod; de Amberes a Zaragoza.
El árbol geneoartístico de Anderszewski tiene sus raíces en Sviatoslav Richter y Glenn Gould. Aún no le ha crecido la rama de John Cage, o acaso en un rapto de locura cometiera la insensatez de podarla, ésta: “El silencio no existe, no es un fenómeno acústico sino la pérdida de la intención de escuchar.” El pianista debería tomarse un tiempo para meditarla. Con 4'33'' tendría de sobra.
Mañana, jueves, 22 de noviembre, en la Sala de Revistas de la Biblioteca de Humanidades, Facultad de Filosofía y Letras (Edificio B), en el Campus de Bellaterra, (13:00 h.) un cuarteto de cuerda de la Sinfónica del Vallès, acompañado del actor Enric López, escenificarán “Aquest llibre em sona! (“¡Este libro me suena!”) un programa que he diseñado dentro del ciclo “Musikarts” a través del cual la Sinfónica, con el patrocinio de la “Caixa”, ofrece la realización conjunta con las Universidades de una serie de actos con el fin de poner el mundo musical al alcance de los estudiantes, acercándoles físicamente la música a su entorno cotidiano, además de facilitarles la posibilidad de asistir a conciertos en los principales auditorios de Cataluña.
Aquest llibre em sona! hermana literatura y música. Música como matriz de las palabras. Papeles y partituras fundidas en un abrazo instrumental. Escritores y músicos, músicos y escritores: Samuel Becket, John Cage y Philip Glass; Vikrham Seth, Ariel Dorfman y Schubert ; Thomas Mann y Gustav Mahler; Hermann Hesse y Mozart; Jaume Cabré y Bach. Papeles y partituras, dos caras girando en una rueda de palabras y notas para alumbrar textos que una vez leídos te harán exclamar: ¡Este libro me suena!
Hoy es el día de convertir el motivo por el que no me prodigo más en este blog en un motivo para prodigarme más en este blog. El motivo lleva el académico nombre de “Postgrado de Dirección y Gestión de Empresas Culturales”, que frecuento en la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona. Ferran Mascarell, historiador y ex consejero de Cultura de la Generalitat de Cataluña, es el director del curso y quien lo abrió con una serie de sesiones dedicadas a diseñar una cartografía de la Cultura, donde sostuvo la renacentista idea que cultura es todo lo que no es naturaleza.
Entre los conceptos que me está inculcando este Postgrado, destaco la necesidad ineludible por parte de las empresas culturales de reinventarse cada día a través del riesgo calculado y una ambición sin límites. Sin estos ingredientes no es posible cocinar un proyecto cultural comestible. Las entidades de este sector no se administran, se lideran, y si sólo te dedicas a ordenar las piezas del día a día, nunca podrás montar el rompecabezas del mañana. Como nos dijo Oriol Balaguer, uno de los profesores : “Lo más urgente siempre es lo menos importante. “
El factor clave para el éxito de una empresa cultural no parece ser la originalidad de una idea, sino las personas con las cuales te comprometes para llevarla a cabo. La idea és básica, desde luego, pero tampoco es la panacea, pues la realidad ya se encarga de ajustarla a sus necesidades De hecho, la mayoría de empresas del sector cultural fracasan no por falta de originalidad en el proyecto, sino por desencuentros entre los socios. Así, formar un equipo que tome el mismo rumbo y con parejo compromiso se erige en un requisito esencial para conducir cualquier nave cultural a buen puerto.
Por cierto, de los 38 alumnos matriculados en este Postgrado, sólo 4 somos varones. Conclusión: cultura es una palabra que se articula en femenino.
El cuarteto de amigos “Els escarxofats”, así bautizado por quien esto suscribe debido a la costumbre de comer alcachofas a la brasa los viernes que nos citamos en el restaurante Lluís Montllor, en Sabadell, sentamos ayer a nuestra mesa al músico ampurdanés Vicens Prats, flauta solista de la Orquesta de París y artista residente esta temporada en la Sinfónica del Vallés.
Prats estrenó ayer su residencia interpretando el himno oficial de los flautistas: el Concierto de Mozart en Sol mayor. Himno hermanado a otro himno:“El tempo del primer movimiento es el mismo que el de Marsellesa.” nos advirtió Vicens. Comprobadlo vosotros mismos tarareando la canción patria del francés encima de esta interpretación anónima y oriental del Sol de Mozart.
Vicens se declara acérrimo enemigo de la seriedad institucional que preside la interpretación de la música sinfónica. “ En los conciertos no me gusta poner cara de estar grabando un DVD. Me gusta hablar con el público” No miente, ayer, nada más salir a escena, se dirigió al respetable con estas palabras: “Como nos veremos a menudo esta temporada, espero que acabemos haciéndonos amigos. Por otra parte, disculpad si toco el concierto de Mozart con partitura. No es que no me lo sepa, lo he tocado muchas veces, sino que en estos casos siempre doy preferencia a la música antes que a la memoria.”
Vicens hizo una interpretación estupenda de Mozart, tan brillante y dorada como su flauta de oro,(sí, ya sé, no es una comparación muy inspirada, pero es sábado). Después, como propinas, primero bordó Syrinx, de Debussy:“Les juro que la tocaré tal como Debussy la escribió” anunció al público. Es decir, como delata la imagen, y no como suena en “Música en tus ojos” de este blog, con esas fusas empeñadas en poner cara de velocidad.
Con el segundo bis, la Allemande de la Partita de Bach, Vicens consiguió que dos lágrimas resbalaran por las mejillas de mi compañera de atril, la estadounidense Lynn Burton, que al llegar a sus labios se transformaron en esta frase: “Me ha "emosionado"” . Impacto que no consigue este otro anónimo intérprete de la misma obra:
Mientras deshojábamos alcachofas a la brasa, Vicens nos contó que la Orquesta de París, a lo largo de su historia, ha tenido, entre otras celebridades, a Karajan, George Solti y Daniel Barenboim como directores titulares. Que el flautista y director especializado en música antigua, Franz Brüggen, tiene barrocos hasta los dientes: “Le regalé unas alpargatas barrocas que le encantaron. Aunque me costó encontrar su número, calza un 48.”
Suma y sigue: ...que en París hay una escuela para futuros ministros donde una de las pruebas de ingreso consiste en hablar durante media hora de un tema del que no se tenga ni idea. Y los que no llegan a ministros acaban de gerentes en las orquestas públicas. También nos mostró su nuevo y flamante "iphone", liberado, que adquirió en Shangai durante una recientísima gira de los músicos parisinos por Oriente: “Seúl es enorme. Del hotel a la sala de conciertos, el autobús tardó una hora y media.”
Vicens expande su “rauxa” ampurdanesa actuando como reportero de su orquesta. Dos ejemplos: en el primer vídeo provoca a Anaïs Benoit, flautín de la Orquesta de París, para que muestre su arte en la sala de espera del aeropuerto de Valencia. En el segundo, inmortaliza las gansadas de algunos músicos de la formación francesa en la antesala de un concierto. En ambas, la jocosa voz del narrador pertenece, por supuesto, al flautista catalán:
He transcrito, en fin, las palabras de Vicens, y enseñado a través de intérpretes anónimos la música que con la que ayer nos deleitó a muchos, pero no he dejado ninguna muestra sonora de su portentoso talento. Para obtenerla de primera mano tendrán que acercarse el próximo sábado, 24 de noviembre, hasta el Palau de la Música, de Barcelona, donde a las 19:00 h. y acompañado de los Sinfónicos del Vallés, Vicens Prats lucirá de nuevo el brillante Sol de Mozart. No se lo pierdan. Voy más allá: a quien más se esfuerce en hacerme la pelota en el apartado de comentarios, le regalaré una entrada. De nada.
"¿Como quién me gustaría tocar, dices? Si pudiera tocar siempre como yo, ya tendría bastante."
Hay obras cuyo éxito se mide través del silencio que separa a la última nota del primer aplauso: cuanto mayor es el silencio, más mayúsculo se escribe el triunfo. El silencio como una cámara de descompresión, o acaso como una ruta que el público utiliza para regresar al presente desde esa dimensión atemporal hacia donde le ha transportado la música.
El caso es que ayer el implorante libera me que epiloga el Réquiem de Verdi, que los Sinfónicos del Vallès interpretamos en el Palau de la Música de Barcelona, se tranfiguró de inmediato en el prólogo de una sinfonía de aplausos coloreados con bravos intermitentes. No hubo descompresión; y es que nadie usó el silencio como camino de regreso al mundo porque nadie se había ido. De hecho, nunca había visto tanta gente feliz y risueña después de escuchar un final tan desesperado, circunstancia sólo justificable por el renombre de las voces solistas que lo habían traducido, una delantera de "Champions": Stefano Palatchi, Aquiles Machado, Verónica Villarroel y Nancy Fabiola Herrera. El público agradeció lo único resaltable de una dirección sin matices, sin alma: la belleza del canto. Triunfamos, en fin, en el fracaso.
Si alguien que se partió ayer las manos en el Palau aplaudiendo esa belleza superficial cree que he enloquecido, sólo tiene que pulsar este enlace para entender lo que esta torpe prosa intenta transmitir. Allí se encontrará con un pálido y demacrado Claudio Abbado dirigiendo en 2001 los últimos estertores del Réquiem de Verdi. Por aquel entonces la supervivencia del director italiano, carcomido por un cáncer de estómago, pendía de un hilo.
De ese fragmento, imprescindible para todos los amantes de la vida, lo más revelador es el silencio que abraza la conclusión de la música, cuando Abbado permanece inmóvil, con los brazos suspendidos en el aire, momentos después de que el coro le haya susurrado al oído un sobrecogedor “libera me, Domine, de morte aeterna”. En ese instante yo descubrí que Verdi no había compuesto un Réquiem para resaltar la belleza de unas voces, ni siquiera para solemnizar la muerte, sino para celebrar la vida. ¡Viva!
Ayer, durante el ensayo general del Réquiem de Verdi, alguien me preguntó cuánto duraba la obra. Como me aburría de manera soberana, respondí: “Una eternidad, de ahí el nombre.” Los dos nos reímos de mi ocurrrencia hasta que el director expresó el pensamiento más profundo que le hemos oído a lo largo de los ensayos: “Aquella nota tiene que sonar más corta.“ Lo dicho, una eternidad. R.I.P.
“La musicología, esa hija bastarda de la música y la ciencia, que está al servicio de nuestra pasión por la “autenticidad” en la ejecución, una pasión que refleja nuestra falta de confianza en nuestra propia creatividad. Una pasión creativa que esté verdaderamente segura de sí misma toma las grandes obras del pasado para rehacerlas constantemente, renovando así el acto de la creación a lo largo de las generaciones, de la misma manera que el siglo XVII reelaboró las obras de Shakespeare, tal como Stokowsky trabajó sobre las piezas para órgano de Bach, para adecuarlas a su sensibilidad. Es probable que estas reelaboraciones, por más desabridas que puedan parecerle a nuestra generación, sean más fieles al espíritu creativo que nuestros intentos, basados en cuidadosas investigaciones, de recuperar el texto originario de una primera audición.
Bien puede ser que la generación siguiente se mofe de la disposición musicológica actual, considerándola una pedante restricción de la creatividad, y crea –con toda la razón- que es posible, e incluso necesario, acercarse directamente a las obras del pasado sin la intervención de musicólogos.”
El diario Público acompaña hoy su edición dominguera con un Cd de Pavarotti. Si contemplas tamaña acción en perspectiva, resolverás que es del todo esquizofrénica, porque en sus escasos días de su existencia, este periódico Escolar ha mostrado a través de sus páginas de cultura cuál es la importancia que da a lo que simboliza la voz del tenor italiano: la del pepino. Y es que no acierto a entender el ideario de un medio de comunicación que utiliza los "do" de pecho de Pavarotti para vender más ejemplares, pero a la vez considera que la ópera, o la música sinfónica y sus creadores, no pueden compartir espacio en su sección de cultura con un rapero que viola versos. Dicho en corto, me da el pálpito de que para "Público" Puccini no existe como realidad cultural, sino como instrumento de comercio. Una impresión alarmante cuando adviertes su postulación como izquierda alardeada. "Nessun Dorma".
No es que el verano y sus asuetos se me hayan prolongado en exceso por capricho, sino que el otoño y su himno laboral resonaron en mi ánimo antes de tiempo. A este desencaje de las estaciones hay que sumarle una obras de reforma en mi casa que se han prolongado mucho más compases de lo esperado. Pero ya estoy aquí de vuelta, aunque ignoro si es para quedarme. El caso es que hace días que tengo la necesidad de contar esto: la otra noche, mientras interpretaba una versión ensimismada y autocomplaciente, impuesta por el director, de la Séptima sinfonía de Beethoven, me asaltó una duda: ¿Beethoven tiene que sonar así en estos tiempos convulsos, como si las Torres Gemelas siguieran en su sitio? La respuesta fue irme a la cama sin cenar por culpa del fantasma de la decadencia de Occidente. Y así sigo, con la insana arrogancia incrustada en el cerebro de suponerme tuerto entre ciegos. ¡Luz, más luz!
...mOzart? no, demasiado grueso. ...moZart? no, demasiado dubitativo. ...mozArt? no, demasiado decidido. ...mozaRt? no, demasiado agresivo. ...mozarT? no, demasiado delgado.
El canto de la ópera “Le Rois d’Ys” de Edouard Lalo es perjudicial para el hígado, sobre todo si la mencionada víscera se ubica en el cuerpo de Montserrat Caballé. Al menos esta conclusión es la que se desprendía del parte médico de la magna cantante, recitado de oídas por el director del evento al inicio del ensayo de ayer. A partir de este percance circularon dos noticias entre los los atriles de la orquesta: una buena y una mala. La buena es que han encontrado a otra soprano con el hígado a prueba de Lalo; la mala: sólo dispone de tres días para aprenderse el papel.
Por otra parte, el director desperdició el ensayo tratando de convencernos de que la música incrustada por Lalo en esta partitura era maravillosa, pero fracasó en el intento con el mismo estrépito de Wagner periférico contenido en “Le Rois d’Ys”, cuyas melodías te convencen sobre la idoneidad de la guillotina como método para arrancarles la cabeza a todas las monarquías de ficción.
Perdimos, en fin, a la Caballé, pero nos queda Josep Carreras, la magna voz cuyo nombre obvié ayer, de quien el próximo viernes los sinfónicos del Vallés seremos su sombra en el Festival de Cap Roig. En este caso dirige David Giménez Carreras, nuestro director titular y sobrino del excelso tenor, aunque después de ensayar su versión de “La vida breve” de Falla, toda la orquesta duda de que sea este el orden de los factores que lo describen. Suerte de que los sinfónicos del Vallés tenemos hígados para soportarlo todo.
En los próximos quince días los sinfónicos del Vallés estaremos al servicio de dos magnas voces que aprovechan el calor estival para conjurar el otoño de sus carreras. Y es que el verano resulta el elixir de la juventud más codiciado por las glorias animadas del canto de ayer y de hoy. Montserrat Caballé, pongo por caso, de quien las enciclopedias certifican que lo ha cantado casi todo, menos la ópera que interpretaremos con ella la semana próxima en la ciudad donde muchos catalanes perdieron la inocencia en el último tango del franquismo, y Carod-Rovira inocentó la perdición en el primer tango del tripartito: Perpiñán.
La obra en liza, enmarcada hoy por nuestros atriles, es “Le Roi d’Ys” del casi francés Edouard Lalo, "casi" contemplado desde la perspectiva de su concierto para violín, travestido en sinfonía española para mayor erotismo del repertorio según confesión de sus notas iniciales: “La lami”. A causa de una timidez congénita no comentaré los riesgos, consustanciales al hecho que la Caballé se aprenda un papel nuevo con 74 calendarios acumulados en las cuerdas vocales, insinuados esta mañana por la batuta de la producción, tan útil artesano como artista inútil, a través de una explícita apelación a nuestra paciencia ante los ensayos que se nos avecinan.
Sinfonía Española, de Lalo
Por lo que respecta a la segunda magna voz, cuyo aspecto relamido recuerda al violín más español de Lalo, mañana les revelaré su identidad. Hoy no hace falta, pues este post ya ha hallado su moraleja: los músicos de orquesta invernamos en verano para que los cantantes otoñales sueñen con primaveras perdidas. Tempus fugit.
Hace unos meses un crítico "Made in Catalonia" juzgó nuestra interpretación de la segunda de Chaikovski sinfonía se entiende escribiendo que sólo una orquesta rusa podia captar la esencia de aquella obra de inmediato pensé que entonces sólo un crítico autóctono ruso se entiende podria saberlo y después recordé el cuento de Monterroso "Sinfonía concluida" allí donde dice un momento que lo busco "una vez en Viena pues peor porque no iba a ir decían un Leirmann guatemalteco a enseñarles a localizar obras perdidas y mucho menos de Schubert" la Inacabada se entiende pero mi memoria erró el disparó porque ahora sé que el relato de Monterroso que correspondía con aquella crítica era el que te descubre que cada mañana al despertar los animales prehistóricos aún permanecen entre nosotros los dinosauros se entiende.
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Estimado Sr. Rudolph Louis:
Ahora mismo me hallo sentado en la habitación más pequeña de mi casa. Tengo ante mí su crítica de mi obra. En unos instantes estará detrás de mí. Atentamente Max Reger
MUSO és la primera revista inglesa de música clásica que pretende excitar al lector/a de todas las adolescencias; la más tardías, sobre todo. Y es que la sección más celebrada de MUSO es Punto G. El nombre no engaña: el/la lector/a tiene que votar al músico que más bajas pasiones le despierta. Así, tal y como suena. Es decir, si Beethoven y simpatizantes no te levantan la "moral", no te apures, ya lo harán sus intérpretes. Cuando pulses (Windows Media) sobre el nombre de cada uno/a de los/las candidatos/as, San Amazon.com te hará saber si la belleza de su arte corresponde con la de sus músculos. En cualquier caso, no me hago responsable de "la magnitud de la tragedia."
Artículo de Glen Gould públicado en la revista High Fidelity en noviembre de 1967:
Tonalmente, los Beatles tienen tan poca consideración por las sutilezas en la conducción de las voces como Erik Satie por la angustiada relación de los postrománticos alemanes. La suya es una marca feliz, descarada, beligerantemente torpe de primitivismo armónico. Su carrera es una larga caricatura de la ecuación "sofisticación = extensión cromática". las deliberadas prolongaciones de la dominante y las falsas liberaciones de la tónica a que nos someten, no obstante "Michelle", en nombre de la elaboración del primer plano, son sólo síntomas de una arrogante versión por respetar las propiedades psicológicas del fondo tonal. En el repertorio de la banda de Liverpool, el desenfrenado amateurismo del material musical, aunque seguido de cerca por la indiferencia del estilo interpretativo, sólo se ve superado por la ineptitud del método de producción de estudio.
Un pecado capital como tarjeta de presentación del director más listo del planeta en El País Semanal. Soy comprensivo: un cebo para atraer a esa inmensa mayoría de lectores a quienes, a estas alturas del termómetro estival, Berlín y su Filarmónica les cae en la geografía del corazón más lejos que Cancún y sus playas. ¿Envidia? En mis caso, esas palabras de ritmo contorneante que exhiben el pensamiento desnudo de Simon Rattle, me despertaron una cierta lujuria…
(…) Hay dos fundamentales: una orquesta que no afronta el repertorio de su tiempo muere, y muere merecidamente; otra es que si no forma parte de la comunidad a la que pertenece y evangeliza a su alrededor, tampoco tiene nada que hacer.
(…) Tienes que hacerlo, convertirte en evangelista. El día de los sumos sacerdotes desde el púlpito ha terminado para la música clásica. Ya no viene nadie, tenemos que salir nosotros a por ellos. No es el único tipo de música que la gente quiere escuchar. Pero sin ella, su vida es mucho menos rica. Hay algo que esta música puede dar a todo el mundo, que no encuentras en otras; pero, claro, hay que mostrarlo.(…)
…y una irreprimible ira en esta disonancia sobre el presidente Chávez:
Es muy listo. Y tiene suerte, además de petróleo. A pesar de lo que se diga, se preocupa por el bienestar de su gente. Ante todo es un político, y en todos los lados hay gente despreciable. Por lo menos, él me hace reír, no como los neocon.
"Mi libertad no cuenta los años que yo tengo, pastora inclaudicable de mis eternos sueños. Mi libertad me deja y soy un pobre espectro, mi libertad me llama y en trajes de alas vuelvo."
La parisina Ópera de la Bastilla alumbró hace más de un año las primeras palabras del escritor Amin Maalouf destinadas a un pentagrama: Adriana Mater. Kaija Saariaho, compositora finlandesa, las vistió con música y Peter Sellars imaginó el gesto y el paisaje en la escena. Yo me hallaba por esos días en la capital francesa, pero no hubo manera de encontrar entradas disponibles, y desde entonces mi frustración me obliga a practicar a menudo en público el masoquismo de averiguar qué es lo que me perdí. Alex Ross, pongo por caso, crítico del The New Yorker, hace aquí un ejercicio de literatura para describir la música.
Según contaron las crónicas, el libreto, ya a la venta, gira en torno al tema más recurrente en toda la obra de Maalouf, la identidad, aquí sostenida por las asas de la maternidad y la violencia étnica. Otros críticos aseguran que, como todas las grandes obras, Adriana Mater te deja las manos rebosantes de patatas calientes. La que más arde: "¿es posible el perdón en circunstancias extremas?" A la espera de que se decidan a grabar la música, me consuelo con las palabras de Maalouf. De manera especial, estas patatas calientes para consumo de fundamentalistas del patriotismo. A soplar:
Cuando me preguntan qué soy "en el fondo de mí mismo", se da por supuesto que hay, "en el fondo del fondo" de cada uno, una sola pertenencia importante, su "verdad profunda", por así decirlo , su "esencia", determinada una vez por todas al nacer, y que permanecerá invariable; como si el resto, todo el resto -su trayectoria de hombre libre, las convicciones que ha adquirido, sus preferencias, la propia sensibilidad, sus afinidades, su vida, en definitiva,- no contara para nada. Y cuando se incita a nuestros contemporáneos a "afirmar su identidad", como a menudo se hace hoy, lo que se les está diciendo es que deben encontrar en el fondo de si mismos esta pretendida pertenencia fundamental, que a menudo es de cariz religioso, o nacional, o racial, o étnico, y blandirla orgullosamente ante los otros. Si alguien reivindica una identidad más compleja se encuentra marginado.
Las identidades que matan
Amin Maalouf
ACTUALIZACIÓN: ÓPERA PUNK? Esta es la imagen con la que el NYT corona la crítica de un nuevo estreno operístico en la Bastilla, "Les Temps des Gitans", adaptación del film homónimo imaginado por el director de cine Emir Kusturica, firmante también de su reconversión en ópera. Ambas obras, ésta y Adriana Mater, surgen de la voluntad del director general de la Ópera Nacional de París, Gerard Mortier, uno de los más solventes renovadores de este género como espectáculo.
El crítico musical Greg Sandow dejó escrito hace un tiempo en su blog que los músicos sinfónicos estamos convencidos de que nuestro repertorio es mucho más inteligente que el de otras músicas de hoy, de factura mucho más elemental. Pero Sandow, enumerando una serie de aspectos que caracterizan hoy el trabajo de las orquestas, se pregunta qué tiene de inteligente la manera como presentamos la música sinfónica en la actualidad. Con las palabras de Sandow:
-¿Es una prueba de inteligencia tocar disfrazado con un frac -por cierto, la Filarmónica de Berlín ya no lo usa - un uniforme que dice más sobre la clase social que antes apoyaba a la música clásica, que sobre la naturaleza misma de la música?
-¿Es una prueba de inteligencia programar un concierto con obras sin ninguna interconexión, sólo para hacer la velada lo suficientemente larga?
-¿Es una prueba de inteligencia tocar las mismas obras una y otra vez sin explicar al público por qué su audición es importante para sus vidas?
-¿Es una prueba de inteligencia marginar de las programaciones las músicas de hoy, y no sólo la música contemporánea, sino también otras músicas nacidas en el siglo XX?
Las orquestas insistimos en casi todos estos aspectos que, en vez de resaltar la supuesta inteligencia privilegiada de la música clásica, de la que presumimos, lo que consiguen, en cambio, es desproveerla de sus valores al enmarcarla en un contexto que apesta a naftalina. Y es que si sólo se programan las obras más populares, sin nada alrededor que se les dé un significado, las orquestas caemos en un círculo vicioso de rutina que impide nuestro desarrollo. Una inteligencia, en fin, muy tonta.
EDWARD SAID: La autenticidad también consiste en justificar el presente en relación con el pasado. Es un error pensar que la autenticidad busca el pasado. Se trata siempre del presente, y de cómo el presente ve y reconstruye el pasado, el pasado que quiere.
DANIEL BARENBOIM: Si aceptamos la premisa de Edward de que se trata de una imagen del presente, entonces tenemos una imagen bien pobre del presente, porque nunca ha habido una generación tan preocupada por el pasado como ésta. En arqueología es frecuente ver ciudades que se construyeron encima de otras ciudades. Nosotros no tenemos el valor de dejar atrás aquellas cosas que hay que dejar atrás y seguir adelante. En mi opinión eso es parte del mal que aqueja a la sociedad moderna. La diferencia entre el movimiento de autenticidad y la forma en que Schumann, Mendelssohn o Wagner interpretaban a Bach o Beethoven es que ellos eran auténticamente modernos. Ellos luchaban para llevar el pasado a sus tiempos. Muchos de los miembros del movimiento de nuestros días dan por sentado que siguen una tendencia muy moderna, cuando en realidad lo que hacen es volver atrás por su incapacidad para transformarlo en algo contemporáneo (...) ¿Tratar de reproducir el pasado? La palabra "reproducir" de por sí ya es un signo de pobreza.
